Dialogue sur le port

 

 

Tu as réalisé très tôt, en 1970 à Tunis, ta première exposition, et c'étaient des dessins. Cette pratique du dessin était-elle spontanée pour toi ou bien avais-tu suivi une formation artistique ?

Oui, totalement spontanée, mais bien sûr nourrie par mes découvertes : les temples d'Angkor, les antiquaires de Saïgon où j'accompagnais mon père, les calligraphes chinois, la forêt et les rivages tropicaux, la danse des masques des villages, les peuples et les animaux des savanes, les stucs de la Médina et les tapis berbères... Tellement de choses ! Et aussi, vers 15 ou 16 ans le surréalisme, les dessins de Tanguy par exemple, j'ai commencé à remplir mes cahiers d'une espèce d'écriture automatique, de formes organiques proliférantes. J'ai exposé cela à 17 ans dans une galerie de Tunis, la galerie de Juliette Nahoum qui exposait tous les peintres de l'École de Tunis. J'étais allé la voir avec mon carton sous le bras, et tout mon enthousiasme qu'elle avait partagé. 

 

Le dessin nourrit-il encore la démarche de l'artiste que tu es aujourd'hui ?

 

Le dessin est toujours là, lorsque je fais un projet, pour noter une idée, une composition, relever une ombre, suivre le mouvement d'une branche... mais il a surtout pris la forme de l'empreinte, de la trace, le dessin qui se révèle par contact, la ligne du chemin creux.

 

Ensuite, tu as fait des études d'architecture. Qu'est-ce qui t'avait attiré par là ?

 

Au collège, en Côte-d'Ivoire, j'ai eu un prof de dessin, c'était un peintre d'inspiration surréaliste qui, en voyant mes dessins, m'avait dit : « Les Beaux-Arts, c'est à Paris... » Ensuite, à Tunis, j'arpentais beaucoup la Médina, et le père d'un ami, architecte, travaillait à l'association de sauvegarde, ça m'intéressait. C'est ainsi que j'ai atterri en Archi à Paris.

 À quelle étape de ta démarche artistique as-tu commencé la gravure ?

 

J'ai travaillé une dizaine d'années en tant qu'architecte en Algérie et en Côte-d'Ivoire, surtout dans le patrimoine. Je n'ai jamais arrêté le dessin. À mon retour en France je n'ai gardé que les arts plastiques et j'ai été reçu auconcours de l'agrégation. Il y a environ vingt ans, j'ai commencé la gravure, qui convenait bien à mes recherches, la ligne, le geste, la prolifération, et puis l'empreinte est venue, et ensuite le travail du papier, de la fibre, de la matière.

 

Y a t-il des expériences artistiques qui t'aient particulièrement marqué ou influencé ?

 

Les expériences artistiques sont nombreuses, elles m'ont été données avant tout par mon enfance nomade - mes parents étaient coopérants – qui m'a permis d'être très tôt « dépaysé » ou « déprogrammé » ! Cela m'a mis en présence de cultures, de modes de vie, de paysages, de sensations diverses. Cet état d'étranger, puis le développement de facultés d'adaptation, cette mise hors de soi, au dehors, cette fréquentation d'autres modes d'appréhension du monde est fondamentale pour moi, elle nourrit mon travail artistique, elle est centrale. C'est ce qui s'exprime là. Une seconde peau.

Cette volonté d'ouverture évoque Victor Segalen, un écrivain qui a intéressé Kenneth White.

Dans ce que tu dis de tes découvertes et de tes expériences artistiques, Angkor, les antiquaires de Saïgon, la Médina, les masques des villages africains ou les rivages tropicaux, ce qui frappe est que tu les fais in situ, sur le vif, et qu'elles mêlent des domaines artistiques très divers, associés à la vie des populations. Avec toi, l'artiste est dans le monde physique.

 

Oui, le monde physique, le réel. Il n'y a pas besoin d'imaginer autre chose, le réel est suffisamment merveilleux...

 

Parle-nous aussi de tes rencontres.  

Une rencontre qui compte beaucoup pour moi est celle de Frans Krajcberg. Je suis allé le voir à Nova Viçosa en 2003, j'avais entendu parler au Brésil de cet artiste qui dénonce la destruction de la forêt. J'ai été impressionné par la force de son œuvre. J'ai appris alors qu'il avait un atelier à Paris. En 2006, il m'a invité et je suis allé travailler là-bas. J'y ai commencé la série Mata Atlantica. Très belle expérience, des moments intenses. Nous nous revoyons avec plaisir dès qu'il vient en France. J'ai beaucoup appris de cet homme, son œuvre questionne notre relation au monde, l'impasse actuelle, une œuvre révoltée et incandescente. Il est à la fois habité par cet émerveillement face aux beautés de notre planète et hanté par l'aveugle destruction.

Hier, je relisais Approche du monde blanc de Kenneth White, le livre que tu as amené à l'exposition, où il cite Georges Bataille : « La réalité incandescente du sein maternel de la terre ne peut être atteinte ni possédée par ceux qui n'en prennent pas conscience. C'est cette incapacité à reconnaître la terre, ce dédain où ils tiennent l'étoile sur laquelle ils vivent, l'ignorance de la nature de ses richesses, c'est à dire de l'incandescence que cette étoile renferme en elle, qui a mis l'existence de l'homme à la merci des marchandises qu'il produit et dont la plus grande partie est consacrée à la mort. » Tout est dit là.

 

Tu as aussi beaucoup voyagé dans ta vie adulte. Quelle importance accordes-tu à ce motif du voyage dans ton œuvre ?

 

Le motif du voyage est en effet très présent, mais il peut être immobile ! Il y a le déplacement dans l'espace, mais aussi un déplacement hors de soi, une décentration, afin d'augmenter et de renouveler les sensations, la présence au monde. On peut voyager dans les plis d'une roche, les lignes de croissance d'un arbre, la courbe d'une algue...

 

Comment s'est faite te rencontre avec le matériau du papier que tu travailles aujourd'hui ? Que représente-t-il pour toi ?

 

Le papier a toujours été mon support. Il était naturel que j'en vienne à le travailler en tant que fibre, pâte, avec toute les possibilités plastiques de l'inclusion, de mélange avec des pigments, des écorces, de la mise en espace... La feuille n'est plus un support désormais, mais un objet, une matière, un relief, une enveloppe, un plissement, un déploiement. Le papier est une peau, elle vibre, c'est une interface, un écran qui permet projection, révélation, incrustation. Travailler le papier, c'est être dans une sédimentation légère et fluide, c'est parcourir un territoire.

 

Comment naît une de tes œuvres ? J'entends par là la fabrication matérielle, bien sûr, mais aussi et surtout la démarche : prends-tu des empreintes au hasard ou à partir d'un projet précis, composes-tu chaque toile ou crées-tu au fur à mesure de façon intuitive directement dans la matière qui est à ta disposition ?

 

Je n'ai pas de règles, d'ordre bien précis dans les étapes du travail. Je travaille par série, période, cycle. Il y a un temps du dehors, de l'in situ où j'effectue empreintes, moulages, collectes, où je cherche expériences, rencontres, sensations, et un temps de l'atelier où je réalise papiers et impressions, où je recompose, réorganise. Quelle est la part du hasard ? Est-ce que je prends des empreintes, ou est-ce que ce sont des empreintes qui me prennent ? J'impulse un geste, j'accueille en retour les suggestions de la matière.

 

Comment t'est venue l'idée de montrer tes « papiers » à Kenneth White, démarche qui va inaugurer une collaboration féconde ?

 

Une anecdote. Ça devait être en 83, je travaillais à Djelfa, en Algérie, un endroit bien rude des hauts plateaux où l'on pouvait voir vent de sable et tempête de neige dans la même journée ! Des paysages magnifiques, mais sur un certain plan culturel, un désert. Il y avait toutefois un libraire mozabite qui, de temps en temps, recevait un arrivage de livres d'Alger... C'est là, que de manière tout à fait improbable j'ai acquis Terre de diamant, mon premier livre de Kenneth White !

Depuis, je suis devenu un fervent lecteur, avec cette sensation de chemins parallèles, d'une pensée proche de mes propres intuitions. C'est pourquoi lorsqu'en 2005 j'ai eu un projet de publication pour une exposition au Museum d'Histoire naturelle d'Angers, je lui ai demandé d'écrire la préface. Ce qu'il a accepté tout de suite qualifiant mes papiers de géopoétiques. Depuis, nous travaillons ensemble à la réalisation de livres d'artistes.

 

Dans votre travail commun, il ne s'est donc pas agi d'une illustration de poèmes, n'est-ce pas ?

Non, en effet. De manière générale on parle de livres illustrés, l'image illustrant le texte. Mais nous ne travaillons pas comme cela. Pour donner une idée, on pourrait parler de gestes. Il y a le geste de Kenneth et le mien, les deux se rejoignent, jouent ensemble. Je lui fournis un support, un territoire, dans lequel il va pouvoir cheminer, insérer ses propres images, les faire résonner avec les miennes.

Dans son texte Rencontre dans le grand paysage qu'il a écrit pour l'exposition de nos livres à la Médiathèque Toussaint d'Angers, Kenneth emploie le terme de connivence...

Je lui ai apporté, il y a maintenant deux ans, un port folio, un beau format 40 x 60 cm. Il vit avec, je l'imagine dansant parfois autour tel un chaman ! À notre dernière rencontre, il m'a dit, une étincelle dans le regard : « Ça y est, je sais ce que je vais écrire ! », sans plus de précisions... Il y a ensuite pour lui le travail de l'écriture manuscrite, une vraie prise de risque.

Kenneth White parle de « géographie de l'esprit » pour décrire votre entreprise commune, reprendrais-tu cette expression ? Quel sens lui donnes-tu ?

Oui, géographie de l'esprit, ça me va. Une autre de ses expressions est paysage mental. Son paysage à lui est globalement plus au Nord, et le mien plus au Sud, mais nous nous rencontrons dans d'infinis paysages ! Il s'agit encore une fois, fondamentalement, de relation à la Terre, de cultiver cette sensation, de questionner ce lien...

C'est ce que Kenneth White nomme la géopoétique. Cela se traduit dans mon travail artistique par cette thématique de la peau, de l'interface, de l'impression, de la trace, de la fluidité, de la matière, de cette recherche du contact, de la sensation d'être au monde, et d'en jouir bien sûr...

Si tu peux en parler, as-tu des projets pour les prochains mois ou années ?

Le travail continue...

Merci Dominique.

(16 août 2011)

   L'exposition Gondwana ou  La prose du monde se poursuit à l'Espace Port de Paisance, jusqu'à dimanche 21 août. Voir l'album photos :  Gondwana-ou-la-prose-du-monde

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

       L'artiste Christel Bruneel a reçu IBANT à l'occasion de l'exposition Nostalgie du présent  à Guérande dont nous avons rendu compte la semaine dernière.

Bonjour, et merci de nous accueillir. Vous êtes graveur et peintre, votre atelier est installé depuis deux années à Clis, dans le marais salant, près de Guérande, pouvez-vous retracer cet itinéraire ?

-J'ai suivi les cours des Beaux-Arts à Lyon et à Versailles et j'ai ensuite enseigné la gravure en Région parisienne. La gravure « en taille douce » me permet comme la peinture d'évoluer vers des techniques mixtes. J'aime aussi pratiquer l'aquatinte. La gravure est encore très présente dans mon travail de peintre. Quand je suis sur la plaque de métal ou dans mon tableau, souvent, je ne suis pas consciente de ce que je fais. C'est seulement après une « prise de connaissance » que je vois ce que je voulais faire. Je n'ai pas peur d'effectuer des changements, de détruire l'image, j'essaie de la laisser émerger. Graver ou peindre, c'est pour moi un acte qui me permet de me poser en tant qu'artiste, de montrer différents aspects de mon moi.

Actuellement, avez-vous cessé la gravure ?

-Oui, momentanément j'espère. Le matériel nécessaire n'est pas installé dans mon atelier à Clis, et la gravure exige du temps, surtout avec les couleurs. Je peux réaliser plus rapidement des tableaux peints et dans de grands formats. De plus, la peinture touche aussi un plus large public. Mais je n'ai pas abandonné la gravure, et j'utilise des fragments de gravures dans mes peintures, je ne jette rien, même pas ce qui a pu sembler « raté », tout peut resservir.

Qu'appréciez-vous dans le travail de l'aquatinte ?

-L'aquatinte est pratiquée depuis le début du XVIIe siècle. Goya, par exemple, l'a utilisée. Elle est adaptée à l'impression en couleurs. Comme la peinture, elle permet de travailler des surfaces importantes. Et puis, il y a des effets de matière possibles avec un résultat aléatoire et des zones parfois indistinctes, brouillées que j'aime voir apparaître. J'ai cessé parce qu'on manipule des produits hautement toxiques, que j'avais l'habitude d'utiliser largement, en ne prenant peut-être pas toutes les précautions nécessaires. J'ai eu une mise en garde de mon médecin, et là-dessus l'atelier où je donnais mes cours a fermé. C'est ainsi que j'ai été amenée à arrêter.

Ainsi on retrouve dans cette exposition Nostalgie du présent quelques gravures anciennes mais vous présentez essentiellement vos peintures réalisées à Clis. Peut-on parler d'une « période guérandaise » ?

-Tout à fait. Mais il y a eu une période juste avant où j'ai produit « à quatre mains », avec un photographe, beaucoup de scènes liées à l'équitation, au cheval, aux courses et aux femmes. C'est une étape qui a beaucoup compté dans ma vie personnelle et dans mon travail et qui a eu des répercussions dans mon approche actuelle de la peinture. Se servir d'une photographie que j'ai prise entraîne l'œil à devenir un zoom. C'est ce que l'on voit qui devient lieu de référence. Je suis allée aussi vers d'autres motifs, la nature, l'ombre et la lumière...

La gravure ne vous avait-elle pas déjà fait travailler « ces images qui sortent de la nuit », comme le dit l'écrivain Pascal Quignard dans son roman consacré à un graveur, Terrasse à Rome ?

-Oui, c'est la pratique de l'eau-forte, de l'aquatinte. Ça vient vers la lumière.

N'avez-vous pas inclus des images photographiques dans certains tableaux ?

-Des fragments, oui. Ce sont comme des ouvertures. J'insère la photo tel un joyau, ce qui apporte lumière et transparence. Pour moi, il n'y a plus de photo, parce que je l'ai transgressée, un peu comme quand on enfonce quelqu'un dans un lit : la figure se coule dans le support. L'instant photographique et la peinture se mélangent sans qu'on sache qui des deux crée le rêve dans la réalité.

Dans les peintures, il y a peu de personnages, à peine des silhouettes, parfois venues de photographies importées...

-En fait, personnages ou pas, ce n'est pas très important. Une tache peut faire voir un personnage. La femme que l'on imagine là, par exemple, est une ombre, une ombre avalée par la nuit. Frida Kahlo disait : « Qui pourrait croire que les taches vivent et aident à vivre ? ».

Vous évoquez aussi un équilibre, un passage entre le vide et le plein...

-J'aimerais simplifier, faire le vide, aller à l'essentiel, mais j'ai toujours été dans le fourmillement. Cela dit, je voudrais toujours que ça respire plus, c'est aussi une histoire de composition... Enfin, la plus grande de mes responsabilités, c'est ma « verticalité ».

N'est-ce pas alors le fait d'être maintenant devant les paysages qui oblitère votre vision intérieure ?

-Exactement. Aujourd'hui, je suis dans la nature... Si je fais un rêve et que je veux peindre ensuite, il est comme brouillé par ce que je vois au dehors qui le remodèle.

Une dernière question : quelle est cette musique qui accueille le visiteur sur votre site ?

-La musique est de Levon Minassian, une très belle découverte, elle résume ma vie et mon travail d'aujourd'hui.

Merci, Christel Bruneel.

 

On peut retrouver le travail de Christel Bruneel sur le site www.christelbruneel.com